SOME ECONOMIES (Galería el Museo)

En Some Economies, Alejandro Sánchez trabaja de la mano de la pintura, el objeto y la instalación escultórica para hacer un paralelo entre la humanidad y los buques cargueros. Es así como los contenedores se convierten en un reflejo de los seres humanos y el barco de carga en una metáfora del viaje en el que estamos sumidos. Se trata de un proyecto plástico que reflexiona en torno a la influencia del comercio en la sociedad contemporánea por medio de cuatro series de obras cuyas significaciones se entretejen.

Si bien la idea del contenedor como aquella herramienta que permite el traslado de la mercancía de un punto a otro sigue latente, el artista lo interviene con el objetivo de darle un tinte irónico. En Sobrecupo se presenta el contenedor que termina contenido por su carga; el contenedor que transporta barcos sumergidos en aguas turbias, como si se tratase de un mundo alterado, y el contenedor que transporta tierra a manera de cemento. Este acercamiento a lo absurdo cuestiona la relación entre la economía y la sociedad al poner en evidencia la inutilidad del objeto una vez sacado de su contexto inmediato.

En la serie Andes, el artista toma como referencia algunos paisajes de la cordillera de Los Andes, en donde las laderas repletas de minerales son compradas por empresas de carga para luego ser explotadas con fines económicos. Estas pinturas hacen alusión a la explotación y comercialización de los recursos naturales, para mostrar que los territorios están siendo desplazados como resultado de un contrato mercantil.

En medio de este juego existe lo que no se ve. Los paisajes marcados con números IC, referentes a International Container, indican qué país audita el contenedor y, por lo mismo, a quién le pertenece cada uno de los territorios representados. Y es que esta marca de agua es, precisamente, un mecanismo para poner de manifiesto el traslado y comercialización de los minerales propios de estos terrenos, y por consiguiente, de abrirle los ojos al público frente a una problemática que ejerce una influencia directa en nuestra forma de vida.

Escrito por: María Fernanda Mancera
Fotos: Cortesía Alejandro Sánchez Suárez

Run Aground "obra realizada en la residencia artística del jardín botánico de Marnay Sur Seine - Francia"

FERIA DEL MILLÓN / ALEJANDRO SANCHEZ / TOP TEN

ODEON / GALERIA OTROS 360º / ALEJANDRO SANCHEZ

ARTBO / 12:00 GALERÍA / ALEJANDRO SANCHEZ

SOBRE CUPO - GOLD / PINTURAS ACRILICAS Y PLASTICO / 12X45X12 CM.

Incrustación - obra ganadora de la convocatoria "intervención de la fachada - galeria la cometa"

1000 maneras de no morir

Gracias a Felipe Bedoya y su proyecto 1000 maneras de no morir por la invitación. 

Dirección: Esteban Congote

TERRITORIOS COMUNES "apuntes paradójicos" galería otros 360 grados.

   

Del caos a la Poesía . exposición colectiva.

Expo "dollar tree" economia forestal.

Galeria SACCA & ZILKHA - seamos realistas - Panama

MARCA Galeria Nueveochenta

MARCA

  

Las reflexiones sobre la imagen son constantes en el mundo artístico e innegablemente indispensables. Distintas ramas científicas hacen grandes esfuerzos por entender la complejidad de lo que constituye la imagen, y su poder dentro de la cultura mundial contemporánea, aún así, termina siendo una tarea imposible lograr consenso al respecto.

Este proyecto titulado “MARCA”, y que desde hace un año viene desarrollando el artista bogotano Alejandro Sánchez, hace parte de una investigación que procura acercarse a puntos álgidos en esta gran discusión entorno a la imagen y su relación con la cultura. A partir de imágenes de una Bogotá clásica construida con industrias locales, Sánchez crea una serie de diez pinturas, usando como materia prima una mezcla de Coca-Cola, salsa de tomate y acrílicos, sobre servilletas desechables recolectadas en distintos restaurantes de comida rápida, y que posteriormente encierra en bolsas Ziploc y que se convierten en fichas de una gran imagen evocadora y temporalmente ajena.

Dos cosas se pueden decir sobre la temática y la materialidad de esta obra. En primer lugar y con respecto al tipo de imágenes que construye el artista, existe un sensible tema de memoria, que supera el recuerdo, y se vuleve evidencia de un cambio social digno de ser reconocido y eventualmente repensado. En segunda instancia, y quizás más importante, la materialidad de la obra habla de dos mundos heterogéneos en encuentro. Los materiales desechables como Coca-Cola, salsa de tomate y servilletas, que son diseñados para usarse y tirarse se convierten en piezas fundamentales en la creación de cada escena, dejan por función de ser materia destinada al desecho y dan cuenta de las posibilidades narrativas que en conjunto logran la memoria y lo perecedero.

 Danny Ortega

LEY cocacola y salsa de tomate sobre servilletas introducidas en bolsas de cierre hermetico 100x160cm 2013.

Montaje Galeria Nueveochenta

Montaje Galeria Nueveochenta

ART Medellin

Territorios Comunes

Expansiones Nulas. Alejandro Sanchez Suarez

Séptima versión del premio Arte Joven Colsanitas – Embajada de España.

Desde que se realizó por primera vez, en el año 2008, el Premio Arte Joven Colsanitas – Embajada de España ha buscado divulgar las obras de los artistas jóvenes de Colombia. Como en las versiones anteriores, este año la convocatoria cuenta con jurados de primer nivel, una curaduría cuidadosa y un espacio de exhibición de lujo. Y los premios han aumentado: este año tenemos tres ganadores, que serán galardonados con 12, 6 y 4 millones de pesos.

V SALÓN DE EGRESADOS ASAB

  

William Kentridge: Fortuna

Esta es la primera exposición monográfica dedicada a la obra de este artista en Suramérica. La exposición presenta el arte de Kentridge desde finales de los años ochenta hasta el momento, resaltando cómo sus técnicas y sus diferentes disciplinas artísticas se dilucidan y alteran mutuamente como parte de un proceso creativo marcado por una fluidez continua de transformación y movimiento.Aunque Kentridge es conocido sobre todo por sus películas animadas basadas en dibujos al carboncillo, sus creaciones incluyen también grabados, libros, collage, esculturas y presentaciones de artes escénicas. En toda su obra, lo político y lo poético se entrelazan maravillosamente con el paisaje y la historia social de su lugar de nacimiento.

Kentridge se refiere emotivamente a temas difíciles como la herencia del apartheid y el colonialismo, infundiendo también un trasfondo de humor y ensueño en sus obras, cuyo alcance se extiende hacia temas universales de representación artística, transitoriedad y memoria.Esta exposición —concebida en colaboración cercana con el artista y diseñada especialmente para esta gira—, más que centrarse en un tema específico, resalta el singular proceso creativo de Kentridge y la interrelación que existe entre los diferentes medios artísticos que usa. Las obras escogidas y la forma como se relacionan con el espacio de exhibición ofrecen al público una sensación de la actividad vigorosa y profusa del artista en su estudio y de la migración de temas y motivos entre diferentes medios y escalas, mediante el examen de las estrategias elegidas para representar cosas e ideas.Kentridge acoge como su principio orientador la noción de «fortuna», que describe como «algo distinto al frío azar estadístico, pero fuera del rango de control racional». En otras palabras, podríamos entenderla como una especie de casualidad dirigida, o la manipulación de la suerte, donde hay posibilidades y predeterminación. Fortuna alude a un estado de conversión donde la obra de arte está siendo construida infinitamente, aun cuando el espectador la encuentra como un producto acabado. Fortuna sugiere también una celebración de la excentricidad que no es adversa al compromiso político: «Esta dependencia de la 'fortuna' en la creación de imágenes o textos, refleja algunas de nuestras formas de existir en el mundo, incluso fuera del ámbito de las imágenes y los textos».

Lilian ToneCuradora

SOME ECONOMIES - MEDELLIN

Fotografía hecha pintura

La visita del programa en órbita del Canal Capital de Bogota en mi estudio... La magia de la televisión toda una tarde en 2 minutos, perdonen tanta abstracción!!!

)

EL GARAJE EN EN ODEON

E l señor don Enrique Soto y Yo, los invitamos a la tercera versión de Odeon, y obvio a que nos visiten.

Liu Bolin en Colombia

MIMESIS es el título de la exposición del prestigioso artista chino Liu Bolin que será inaugurada en la Galería La Cometa el próximo jueves 17 de octubre y tendrá abierta las puertas al público hasta el 29 de noviembre del año en curso.

La muestra está conformada por 5 máscaras y 25 fotografías - en mediano y gran formato -, obras en las que el artista plantea una reflexión sobre la situación del ser humano - individuo- en medio de un mundo que lo hace “desaparecer” en la masa …

Liu Bolin es conocido precisamente por utilizar su figura, su cuerpo, como herramienta de expresión IN – VISIBLE. El mundo, cuando “no lo ve” ha visto cómo, con sus impecables trabajos artísticos y una preproducción y producción minuciosa, logra mimetizar su figura convirtiéndola en el lienzo mismo de su obra.

Sus inicios, con esta propuesta que ha sorprendido al planeta, se dieron cuando Bolin experimentó las dificultades por las que tenían que pasar los artistas de su país para expresarse. Entonces él protestó, por él y por todos sus colegas, y se escondió para que lo vieran! De la destrucción – por parte del Gobierno - de su estudio y del taller de un grupo de amigos artistas, nace su obra más grande, la que ha denominado “Escondido en la Ciudad”.

Y empieza la apuesta por el camuflaje, por estar sin estar y aparecer desapareciendo. A tener presencia en la ausencia…

Escenarios naturales, creados y también recreados han permitido a Liu Bolin pasar desapercibido pero siempre dejando huella y comunicando su mensaje con un lenguaje común a todos los géneros, a todas las razas, a todas las edades, a todos los gobiernos. Impacta con el concepto, con la idea, con la creatividad. Y la universalidad de su idioma no consiste en otra cosa que en el arte mismo. Sus trabajos tienen tanto de performance como de pintura, de escultura, como de instalación y de fotografía. En este 2013 el artista “camaleónico”, nacido en Shandong ( China ), celebra 40 años. Su obra hace parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas en Estados Unidos, Italia, España, Reino Unido, Francia e Israel.

Ahora en Colombia, gracias a la alianza de la galería - dirigida por Esteban Jaramillo- con JCR Consulting y con el apoyo de Huawei, Liu Bolin, además de su exposición, tiene programada la realización de tres de sus obras, una en exteriores y dos en escenarios montados en La Cometa. Junto con la gente de su equipo de trabajo, los artistas colombianos que participarán en el proyecto son Yosman Botero, Alejandro Sánchez y Diego Díaz.

Fecha: Del 17 de octubre hasta el 29 de noviembre

Lunes a Viernes 9:00 a.m. a 6:00 p.m. Sábados 11:00 a.m. a 5:00 p.m.- See more at: http://www.guiatodo.com.co/Evento/bogota/liu_bolin_en_la_cometa_liu_bolin_en_colombia#sthash.B2GkeoJh.dpuf

9 Años de El Garaje en Orbit

El señor don Enrique Soto Casas "como suelo llamarle" lo mas de pinchado en una entrevista para el programa en orbita del canal capital, nos habla de su excelente labor en el ámbito artístico joven de Bogota.  

Colombianos en la Bienal de San Pablo

Hay un lugar de excelencia en el mapa del mundo del arte contemporáneo. Fundada en 1951, la Bienal de São Paulo es el evento de arte contemporáneo cíclico más antiguo y duradero, a excepción de la de Venecia, la cual data desde 1895 y que sirvió como modelo a seguir. La Bienal de São Paulo se distanció del modelo de Venecia en 2006, cuando se dejaron los pabellones nacionales tras un replanteamiento realizado por la curadora Lisette Lagnado. Desde entonces, cada comisario designado ha sido el responsable del proyecto entero, y el enfoque regional ha disminuido. Dicho esto, la Bienal de São Paulo conserva un importante rol como una gran plataforma para explorar la escena artística latinoamericana.

Roberto Obregón (Colombia)

                           

Icaro Zorbar(Colombia)

Para la siguiente exposición, una planta entera del magnífico edificio de la Bienal, el MAM-SP diseñado por Oscar Niemeyer y Hélio Uchôa dentro del Parque Ibirapuera, se dejó completamente vacía. Una vez más, se trataba de una decisión específica hecha por el curador Ivo Mesquita como una respuesta a la situación actual de un mundo del arte, que identificó como vaciado de significado y sometido a una creciente presión por recortes presupuestarios.

Por el contrario, la Bienal anterior, comisariada por Moacir dos Anjos y Agnaldo Farias, contó con una amplia presencia de moda, obras de gran formato y se destacó como gráficamente espectacular. La clara intención curatorial de la recientemente inaugurada Bienal de São Paulo en su edición número 30 va en la dirección opuesta.

El curador nombrado para dirigir está edición fue Luis Pérez-Oramas, junto con un equipo curatorial compuesto por André Severo y Tobi Maier. La exposición se titula The Imminence of Poetics (La inminencia de la poética). No se trata de un "tema", subraya Pérez-Oramas, sino simplemente un "motivo", en el sentido de que un "tema" trae contenido y teoría, mientras que un "motivo" ofrece un pretexto y un punto de partida para una serie de preguntas. En otras palabras, explica el comisario, a los artistas no se les pidió describir o ilustrar un tema o idea, sino presentar trabajo que fuera relevante independientemente del tema. La idea es presentar un arte que siempre sea único y excepcional, arte "sucede" y que nos toma por sorpresa. Dado a esto, la exposición se desarrolla a través de una serie de nichos, cada uno con grandes cuerpos de trabajo de un solo artista, al igual que muchas micro-exposiciones individuales para componer una constelación de mundos poéticos. En efecto, el "archipiélago" y la "constelación" son conceptos fundamentales señaladas por los comisarios.

Bernardo Ortiz (Colombia)

Los artistas invitados vienen de campos y generaciones muy diferentes —incluyendo a artistas prometedores de la escena internacional como el mexicano Iñaki Bonillas, que ha producido un intenso trabajo que se inicia con fotografía para luego desmentirla; el brasileño Thiago Rocha Pitta, que presenta un número de obras en donde el arte y la naturaleza convergen; y Ali Kazma, artista turco que representará a su país en la próxima Bienal de Venecia. Para São Paulo Kazma ha hecho una serie de videos que exploran nuestracondición de trabajo y que registran desempeños humanos relacionados con artesanía o producción industrial, insinuando que las ocupaciones juegan un importante papel en la definición de una persona y su relación con la realidad. Dentro de los artistas participantes, también están los "outsiders", como Arthur Bispo do Rosário, quien pasó la mayor parte de su vida en hospitales psiquiátricos de Río, así como artistas cuya vida y arte se convierten en una, como Tehching Hsieh y Bas Jan Ader.

También se encuentran personajes que han escrito la historia de la fotografía, como August Sander, y los aún poco conocidos pioneros de la fotografía conceptual como Corbin Alfredo y Roberto Obregón, cuyo trabajo conmovedor expresa la frágil y herida realidad humana, la ausencia y muerte. Las también mostradas imágenes de Meris Angioletti evocan algo que no está presente y Fernando Ortega ha creado una obra poética de sueños: él y Brian Eno compusieron música para un barco que cruza un amplio río mexicano cada día. Diferentes registros están representados por artistas como Kirsten Pieroth, quien humorísticamente descontextualiza objetos cotidianos, los interpreta y reorganiza para que se lean narrativas alternativas.

   Nicolas París (Colombia)

Mas info: http://www.bienal.org.br/FBSP/pt/Paginas/home.aspx

Fe, esperanza y caridad. Gottfried Helnwein.

Fe, esperanza y caridad. Gottfried Helnwein.
18 de octubre 2012 hasta 4 marzo 2013

Fe, esperanza y caridad es una muestra de 56 óleos de gran formato que permitirán al espectador apreciar el devenir del trabajo de Gottfried Helnwein.
   

Es preciso señalar que en la gran plaza que sirve de entorno al Monumento a la Revolución, Helnwein hará un proyecto ex profeso para la niñez y sociedad mexicanas, con las problemáticas específicas de la ciudad de México, por ello el proyecto tiene como objetivo no sólo a incluir una muestra significativa en las salas temporales, además es de vital importancia plasmar las provocativas imágenes en las calles de la ciudad, cercanas a este recinto, promoviendo con ello un corredor cultural con el Gobierno del Distrito Federal, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y porsupuesto el Instituto Nacional de Bellas artes en coordinación con el Museo Nacional de Bellas Artes.

Las obras que produce Gottfried Helnwein desde hace más de tres décadas tienen a la infancia como hilo conductor de escenarios que proyectan la desolación y la pérdida de la inocencia ante la contraparte adulta y deshumanizada caracterizada en forma constante por la guerra y el abuso. Su vasta exploración en diversos medios lo ha llevado a consolidarse de forma internacional y su cuerpo de obra es un conjunto muy amplio que engloba distintas dimensiones, entre las cuales destacan sus instalaciones fotográficas monumentales en espacios públicos.


Helnwein suele colocar a sus modelos (niños, en la gran mayoría de los casos) en ambientes que confrontan la fragilidad y la pureza humana con lo abyecto y lo violento. Haciendo relación evidente al movimiento de los accionistas vieneses surgido en su natal Austria, “transgrede” sus cuerpos mediante la utilización de instrumentos médicos y realiza fotografías (o pinturas fotorrealistas con gran maestría) que, por sus dimensiones y potencia, inevitablemente crean en el espectador una reflexión en torno a la situación humana en el mundo contemporáneo.